3X Sculpture

by Klara Niemann

The exhibition brings together works by Umut Yasat, Flurin Bisig, and Habib Farajabadi – three highly divergent artists. Nevertheless, the artworks presented here share more than the fact that they are primarily abstract sculptures. They all have an aesthetic which invites the viewer to examine the surfaces and structural composition down to the smallest detail. Because the sculptures combine wood, metal, stone, paint, and repurposed objects, their materiality is not obscured. On the contrary, it is emphasized as a distinct characteristic that draws the viewer in. This accounts for the unusual presence they exert in the room in relation to the viewer, acting as a counterweight to her or his movements. Indeed, all in all, there is a strangely human aura to Yasat, Bisig, and Farajabadi’s sculptures that arises through their interaction with the viewer – and with each other.

The substantial collection of material in Umut Yasat’s Der Stapel (The Stack) compels viewers to get up close. Since 2014 the artist has been stacking and binding together his work, mail, photos, and everyday objects – both meaningful and trivial – to form permanently fixed entities which he mounts on wheels once they have reached approximately his own height. In this way they recollect the Readymade or objet trouvé. But in this case, Yasat bundles several objects at once, until their original function is no longer recognizable, piling them in a column fastened by straps and tape. These inseparable bundles of renounced possessions quickly arouse a curiosity which cannot be satisfied – what are the individual parts that make the whole? They remain mere vestiges of a personality that cannot be decrypted.
In light of the project’s ongoing continuation, Der Stapel 5 and 7, exhibited here, are fragments of a larger art piece, which has long since become a life’s work. It is the result of an artistic search for a way to visualize time. Yasat chronicles his own life in sculptural form. His personal development, experienced over the course of the project, becomes manifest in a series of man-high objects. But Der Stapel goes one step further: as a document of the times made from everyday objects, the project illuminates the ways in which the personal and the universal are intertwined.

Habib Farajabadi’s works are also personal, but in a different way. They are characterized by the artist’s chaotic use of paint: Farajabadi brushes, smears, sprays, squeezes it out of the tube, letting his movements be led equally by his intentions and subconscious mind. Despite his energetic painting style, Farajabadi demonstrates a high awareness of the effect he produces on the ground and material in his work. The wooden sculptures exhibited here bear traces of a rough-hewn handling and assembly; the effect is intensified by the application of paint. As if full of flaws, the surfaces lend his work an approachable, appealing exterior that only heightens the impression of a personal encounter with these two-legged abstract forms with outcrops resembling heads. 
The self-taught Iranian artist has developed a style and formal language of his own which cannot be definitively classified in any art-historical tradition. It exhibits both Western and Eastern influences. Drawing on his own experiences, the artist is driven by an obsession to always cover new ground in his work and refine his art. In a continuous process of experimentation, Farajabadi uses simple formal tools to create impressive abstractions, which ultimately also bring to the fore his Persian identity in a time of cultural change in Iran.

In his work Swiss artist Flurin Bisig explores, above all, the power of sculpture. By continually questioning how the medium is characterized and defined, he finds impetus for his reflections everywhere in everyday life – from the entangled legs of a couple, to a room marked by the commanding posture of a waitress. The work Viva Lost Blues is characterized by this desire to experiment, as are other expressive individual pieces, which at the same time form a unity that clearly originates from the same aesthetic cosmos. Beginning with drawings, the work process involved is slower and more concrete, due to the sculptor’s choice of traditional materials. By this means, they evoke classical sculpture and thus at the same time reanimate the past – or rather, propel it forward. Furthermore, Bisig succeeds in skillfully controlling or even inverting the expected visual effect of his materials. For instance, a piece of tape placed on the edge of a plaster figure appears to hold the solid body together – as if it were a delicate eggshell – thus giving it such an air of instability that viewers approach it gingerly.
In addition to his sculptural practice, for over ten years Bisig has been creating works on paper, which he numbers consecutively. Inspired by Robert Morris’s Blind Drawings and operating under a set of rules, drawings 259–269 (wir körper 1zu4/us bodies 1to4) form a series in its own right.

In addition to displaying a strong intuition for their materials, Bisig, Farajabadi, and Yasat all share what could be described as a pragmatic or experimental approach to the exhibited work: Yasat parts with things unreservedly in order to present them to us in new configurations; Farajabadi is able to create an inexhaustible and cross-cultural formal vocabulary using simple materials; and lastly Bisig explores the medium of sculpture and creates a virtually endless series of works on paper that he submits to various rules. In this manner, the sculptures by all three artists make viewers aware of their structure, compelling them to take a closer look.

Mit Umut Yasat, Flurin Bisig und Habib Farajabadi finden in dieser Ausstellung drei sehr unterschiedliche Künstler zusammen. Dennoch eint ihre hier versammelten Arbeiten mehr, als dass es sich größtenteils um abstrakte Skulpturen handelt. Sie alle sind von einer Ästhetik, die dazu einlädt, ihre Oberfläche und Beschaffenheit bis auf das kleinste Detail mit dem Auge abzutasten. Denn weil die Skulpturen aus Kombinationen von Holz, Metall, Stein, Farbe oder ursprünglich eigenständigen Objekten bestehen, verleugnen sie nicht ihre Materialität. Im Gegenteil stellen sie sie als markante Eigenschaft heraus, die Anziehungskraft ausübt. Diese macht ihre ungewöhnliche Präsenz und Gegenwart als Gegenüber im Raum aus. Zwischen dem Betrachter und den Arbeiten von Yasat, Bisig und Farajabadi entsteht schließlich eine Atmosphäre, in der es menschelt.

Angezogen von der reichhaltigen Materialansammlung, ist man als Betrachter von Umut Yasats Der Stapel dazu verleitet, ganz nah an ihn heranzutreten. Seit 2014 stapelt und verschnürt der Künstler seine Arbeiten, Post, Fotos und bedeutungsvolle sowie nichtige Alltagsgegenstände zu unlösbar festen Einheiten, die er auf Rädern montiert, sobald sie etwa seine eigene Körpergröße erreicht haben. Damit erinnern sie zunächst an ein Readymade oder Objet trouvé. Allerdings verpackt Yasat gleich mehrere Objekte bis zur Unkenntlichkeit in einer Säule aus Gurten und Klebeband. Als ein untrennbares Konvolut hinterlassener Besitztümer wecken die Stapel schnell eine nicht zu befriedigende Neugier danach, dessen einzelne Bestandteile zu entdecken. Dennoch bleiben sie der bloße Überrest einer nicht zu entschlüsselnden Persönlichkeit.
Die hier ausgestellten Der Stapel 5 und 7 sind wegen der Kontinuität der Arbeit Fragmente eines größeren Kunstwerks, das längst zu einer Lebensaufgabe geworden ist. Diese bildet das Ergebnis einer künstlerischen Suche danach, Zeit zu visualisieren. In skulpturaler Form ist Yasat zum Chronisten seines eigenen Lebens geworden. So manifestiert sich hier immer wieder seine im Verlauf des Projekts durchlebte Entwicklung. Aber Der Stapel reicht noch weiter: Als Zeitdokument aus allgemeinen Gebrauchsobjekten macht er auch die Verflechtung zwischen den Ebenen des Persönlichen und des Universalen sichtbar.

Auch Habib Farajabadis Arbeiten enthalten einen persönlichen Einfluss, jedoch ganz anderer Art. Sie sind von einem chaotischen Farbauftrag geprägt, denn Farajabadi pinselt, schmiert, spritzt, drückt die Farbe aus der Tube und lässt seine Bewegungen dabei gleichermaßen von Absichten wie von seinem Unterbewusstsein leiten. Trotz dieses energetischen Malstils zeigt Farajabadi dabei eine hohe Sensibilität für dessen Wirkung auf dem Untergrund und das in seinen Arbeiten verwendete Material. Die hier ausgestellten Holzskulpturen tragen Spuren einer groben Bearbeitung und Zusammensetzung, deren Wirkung durch den Farbauftrag noch verstärkt wird. Diese wie von Makeln behaftete Oberfläche verleiht seinen Werken ein nahbares, anziehendes Äußeres, das in den abstrakten zweibeinigen oder mit Köpfen versehenen Gestalten ein figürliches Gegenüber erkennen lässt.
Als Autodidakt hat der Iraner zu einem eigenen Stil und einer Formensprache gefunden, die nicht eindeutig in eine kunsthistorische Tradition einzuordnen ist und sowohl westliche als auch östliche Einflüsse aufweist. Auf eigene Erfahrungen zurückgreifend, treibt ihn eine Obsession zu einer stetigen Weiterentwicklung seines Werkes an. In einem kontinuierlichen Experimentierprozess kreiert Farajabadi so mit einfachen Gestaltungsmitteln eindrucksvolle Abstraktionen, die letztlich auch seine iranische Identität in einer Kultur im Wandel sichtbar werden lassen.

Der Schweizer Flurin Bisig erforscht in seinen künstlerischen Arbeiten vor allem die Wirkung der Skulptur. Indem er stets ihre Eigenschaften und Definitionen aufs Neue hinterfragt, findet er überall im Alltäglichen Anstöße für seine Überlegungen – von den verschlungenen Beinen eines Liebespaares bis hin zum Raum, den eine Kellnerin mit ihrer Körperhaltung beansprucht. Entsprechend dieser Experimentierlust zeichnen sich die Werke aus Viva Lost Blues sowohl als ausdrucksstarke Einzelstücke aus, bilden aber zugleich auch eine Einheit, die dem selben ästhetischen Kosmos entspringt. Auf der Basis von Zeichnungen entstanden, ging ihnen wegen der Wahl traditioneller Materialien der Bildhauerei ein verlangsamter und konkretisierter Arbeitsprozess voraus. Auf diese Weise lehnen sie sich an die klassische Skulptur an und reanimieren so gleichzeitig die Vergangenheit, beziehungsweise setzen sie fort. Ferner gelingt es Bisig, die Wirkung seiner Materialien geschickt zu beeinflussen oder sogar umzukehren. Denn wenn das an den Kanten einer Gipsfigur aufgeklebte Tape den soliden Körper wie eine leichte Eierschale zusammenzuhalten scheint, erhält dieser ein labiles Moment, das danach verlangt, der Arbeit behutsam gegenüberzutreten.
Neben der skulpturalen Praxis arbeitet Bisig außerdem seit nun über zehn Jahren an Papierarbeiten, die er fortlaufend nummeriert. Inspiriert von Robert Morris‘ Blind Drawings bildet 259-269 (wir körper 1zu4) darin eine eigene Serie, die nach einem festgelegten Regelsatz funktioniert.

Über ein ausgeprägtes Fingerspitzengefühl für das von ihnen verwendete Material hinaus teilen Bisig, Farajabadi und Yasat etwas, das man eine pragmatische oder experimentelle Herangehensweise an ihre hier ausgestellten Arbeiten nennen könnte: Yasat, indem er sich hemmungslos von Dingen trennt, um sie uns in neuer Zusammenstellung darzubieten – Farajabadi, weil es ihm mit einfachen Mitteln gelingt, ein unerschöpfliches und kulturübergreifendes Formvokabular aufzubauen – und schließlich Bisig, der als Erforscher der Skulptur agiert sowie eine schier endlose Folge von Papierarbeiten schafft, die er variierenden Regeln unterwirft. So wecken die Skulpturen aller drei Künstler im Betrachter eine Sensibilität für ihre Struktur und das Bedürfnis, ihnen näher zu kommen.