Jenna Gribbon – Regarding Me Regarding You

by Marie Meyerding

Jenna Gribbon’s paintings pay homage to the moment when light touches skin. Her brush strokes capture these similar and never the same moments in intimate portraits of those close to her. Next to her friends and son, Gribbon’s girlfriend is prominently featured in her sensual paintings. Putting these personal scenes into the public gallery space, Gribbon understands her paintings as ‘commentary on the voyeuristic nature of the world.’ Rarely finishing a work within one sitting, Gribbon’s paintings are often built on the basis of photographs as a means of how we memorise and thus experience. She states: ‘My work is concerned with the way we construct personal narrative.’ For a complete read of her work, the painting’s titles are key. Drawing on the works of Mary Cassatt, Karen Kilimnik, Joan Semmel and Edouard Manet, Gribbon’s paintings of those closest to her vividly capture instants of pure joie de vivre.

The experience of seeing and being seen is a central part of Gribbon’s work. In contrast to Laura Mulvey’s argument that ‘analyzing pleasure, or beauty, destroys it’, Gribbon states: ‘I have no desire to destroy the viewer’s pleasure, or my own. I am more interested in delivering that familiar “old painting experience” that most of us will admit to enjoying, as a means of posing uncomfortable questions or making the viewer hyper-aware of their own role as consumers of beauty.’ Her paintings carefully examine the implications and responsibilities of looking through what she calls a ‘scopophilic feedback loop’. This becomes clear not only in the works’ subject matters and titles such as ‘Ritualized looking’ or ‘Midday watch’ but also in the artist’s own appearance in her works. While Gribbon comes into the painting ‘Me, a lurker’ as a dark shadow, the work ‘Hey! Up here!’ writes the image’s author into the picture through its title and the sitter’s gaze towards the viewer. In both ways, she highlights the made character of her work, implicating herself in the voyeuristic dynamic of her own creation.

Gribbon’s depictions of nude bodies question traditional viewing regimes in the patriarchal canon of art history which she grew up with. To a striking extent, Gribbon’s paintings negate the binary of an active creative male gaze and a passive beautiful feminine object. Paintings such as ‘M traversing a phallic shadow’ or ‘My girlfriend in a short skirt, a row of men between us’ reference and challenge what Mulvey termed ‘the language of the dominant patriarchal order.’ Repeatedly, the fluorescent pink nipples of her nudes have been highlighted as Gribbon’s trademark. Forcing the viewer to focus on a body part of heightened sensitivity which while being socially accepted in painting and sculpture is frequently censored in mass media, her paintings reflect on differing viewing habits in the public museum, contemporary art gallery and on social media. Audre Lorde argued that ‘the master’s tools will never dismantle the master’s house.’ Though Gribbon uses the master’s tools, she applies them differently, questioning the functioning of the tools themselves.

Jenna Gribbons Gemälde sind eine Hommage an den Moment, in dem Licht die Haut berührt. Ihre Pinselstriche halten diese sich ähnelnden und doch nie gleichen Momente in intimen Porträts derer fest, die ihr nahe stehen. Neben ihren Freunden und ihrem Sohn nimmt Gribbons Freundin eine besondere Rolle in ihren sinnlichen Gemälden ein. Indem Gribbon diese persönlichen Szenen im öffentlichen Galerieraum zeigt, versteht sie ihre Bilder als „Kommentar zur voyeuristischen Natur der Welt“. Selten in einer Sitzung fertiggestellt, basieren Gribbons Gemälde oft auf Fotografien als einem Mittel des Erinnerns und des Erlebens. Sie erklärt: „Meine Arbeit befasst sich damit, wie wir persönliche Erzählungen konstruieren.“ Die Titel ihrer Arbeiten sind für eine vollständiges Verständnis essentiell. Beeinflusst von den Werken Mary Cassatts, Karen Kilimniks, Joan Semmels und Edouard Manets fangen Gribbons Gemälde Momente purer Lebensfreude ein.

Die Erfahrung des Sehens und Gesehenwerdens ist ein zentraler Bestandteil von Gribbons Arbeit. Entgegen Laura Mulveys Argument, dass „durch Analysieren Vergnügen oder Schönheit zerstört werde“, formuliert Gribbon: „Ich habe keinerlei Verlangen danach, das Vergnügen des Betrachters oder mein Eigenes zu zerstören. Ich bin mehr daran interessiert, das vertraute Erleben alter Malerei zu vermitteln, welches die meisten von uns genießen, um darauf aufbauend unangenehme Fragen zu stellen oder die Betrachtenden auf die eigene Rolle als Konsumenten von Schönheit aufmerksam zu machen.“ Sorgfältig untersuchen Gribbons Bilder die Implikationen und Verantwortlichkeiten des Sehens durch eine, wie sie es nennt, „skopophile Rückkopplungsschleife“. Dies wird nicht nur in den Themen und Titeln der Werke wie „Ritualized Looking“ oder „Midday Watch“ deutlich, sondern auch im Erscheinen der Künstlerin in ihren Werken. Während Gribbon als dunkler Schatten in das Gemälde „Me, a lurker“ kommt, schreibt die Arbeit „Hey! Up here!“ die Autorin des Gemäldes durch dessen Titel sowie den Blick der dargestellten Person, der auf die Betrachtenden gerichtet ist, in das Bild. Beide Male hebt Gribbon den gemachten Charakter ihrer Arbeit hervor und verwickelt sich selbst in die voyeuristische Dynamik ihrer Kreation.

Gribbons Aktdarstellungen hinterfragen traditionelle Blickregime im patriarchalischen Kanon der Kunstgeschichte, mit dem die Künstlerin aufwuchs. In auffallendem Maße negieren Gribbons Gemälde die Binärität eines aktiven kreativen männlichen Blicks und eines passiven schönen weiblichen Objekts. Gemälde wie „M traversing a phallic shadow“ oder „My girlfriend in a short skirt, a row of men between us“ verweisen darauf, was Mulvey „die Sprache der herrschenden patriarchalischen Ordnung“ nennt, und fordert diese heraus. Wiederholt wurden die in fluoreszierendem Rosa gemalten Brustwarzen ihrer Akte als Gribbons Markenzeichen hervorgehoben. Durch diese zwingt sie die Betrachtenden, sich auf einen Körperteil von gesteigerter Sensibilität zu konzentrieren, der zwar in der Malerei und Skulptur gesellschaftlich akzeptiert, in den Massenmedien jedoch häufig zensiert, wird. So reflektieren ihre Bilder die unterschiedlichen Sehgewohnheiten in öffentlichen Museen, Kunstgalerien und den sozialen Medien. Audre Lorde argumentierte, die „Werkzeuge des Meisters werden das Haus des Meisters niemals demontieren”. Obwohl Gribbon mit den Werkzeugen des Meisters arbeitet, wendet sie diese anders an und stellt damit die Funktionsweise der Werkzeuge selbst in Frage.